Isao Kota: Alchemist of Images
Isao Kota, The Dutchman’s Photograph (オランダ人の写真), 1976, 7min, 16mm, colour, silent
This February and March we are delighted to present a two-part program on the filmmaker Isao Kota, in collaboration with Akihiro Suzuki and Underground Cinema Festival. Active as a filmmaker from 1974-1991, Kota’s works were recently digitised and screened again in Japan after falling into relative obscurity.
We’re proud to present the first online screening of these works for an international audience.
THE PROGRAM WILL BE AVAILABLE FOR VIEWING ON CCJ’S VIEWING PLATFORM.
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Introduction by Akihiro Suzuki
In the late 1960s, non-commercial films, often referred to as underground or experimental, were introduced in Japan and attracted attention as a novel art form. With the widespread availability of 8mm film equipment, filmmaking became accessible to people unaffiliated with studios or other organizations, and members of the general public increasingly shot their own footage. While opportunities to view experimental films in person were limited, young people were inspired by magazine photos and descriptions that hinted at untapped possibilities. This sparked the emergence of makers of “private films,” who acquired equipment and aimed to produce works unlike anything seen before, drawing on their own ideas and approaches. Free from film theory or formal conventions, these filmmakers carried out hands-on experiments with cameras and film footage, developing innovative techniques through trial and error.
Isao Kota was one such filmmaker. His first work, Far from the Explosive Form of Fruit, was inspired by a written description of Michael Snow’s Central Region, though he had never seen the film, and employed a unique frame-by-frame editing technique. Kota subsequently analyzed the basic components of the filmmaking system, such as film stock, editing equipment, projectors, projected light, and screens, developing his own means of producing innovative visual effects. His process involved complex re-filming, extensive stop-motion photography of still images, and development of custom filming devices, all of which showed extraordinary technical skill and innovation. His works’ striking visual effects earned him the nickname “alchemist of the moving image.” While his conceptual approach aligns with the genre known as “structural film,” Kota’s films remained grounded in daily life and personal perceptions of the real world, retaining the simplicity typical of private filmmaking.
In the 1970s and early 1980s, Isao Kota explored and refined his unique approach to “structural film.” After completing Echo in 1982, he shifted focus to the wider world and began producing works that expressed his vision of reality through natural landscapes. His films, while initially striking the viewer as sensitive portrayals of our shared reality, are full of the wizardry of the “alchemist of the moving image,” allowing the unexpected emergence of surreal elements that manifest other realities within the creator. In his final work, Big Stone and Small Night, microscopic images observed through the camera lens are subjected to editing and image manipulation to form fantastical connections across time and space, bringing to life the wonder and joy of visual discovery that lies at the root of cinema. Kota’s minimal and disciplined approach, in which small phenomena evoke expansive worlds, reflects the principles of traditional Japanese aesthetics. By exploring film and cinematic structure and the possibilities of visual expression through analog media, Kota returned to the primal essence of film, free from all unnecessary elements, after more than 20 years of filmmaking. This can be characterized as an arrival at the pure, fundamental beauty of film as a medium.
The February program presents five of Kota’s significant “structural films” from the 1970s and 1980s. The March program will showcase three “landscape theory films,” in which the world is realistically captures but subjected to highly personal interpretations.
The long-term unavailability of works even by renowned and important filmmakers like Isao Kota symbolizes the challenges surrounding Japanese private and experimental films. The recent digital restoration of nearly his entire body of work, consisting of 34 films, is an extraordinary achievement. We hope this will enable audiences in Japan and beyond to discover and appreciate Kota’s films.
Akihiro Suzuki (Art Saloon / Underground Cinema Festival)
Translation by Colin Smith
1960年代後半からアンダーグラウンド映画や実験映画と呼ばれる非商業的な映画が日本に紹介され、新たな芸術表現としての映画が注目されるようになった。同時に8㎜映画機材の普及によって、個人が映画というシステムを手に入れることが可能になり、個人による映画作りも身近になっていた。実験映画を観ることの出来る機会は限られていたが、実際に観ることがなくても、雑誌に掲載された写真や紹介文から想像される“未知の映画”は刺激的で、若者たちの表現欲求を掻き立てる。そして、映画機材を手に入れ、自らの感覚と方法で、誰も観たことのない映画を作り出そうとする個人映画作家たちが現れた。彼らは映画の理論や形式に縛られず、実際にカメラを手にし、映し出された映像と向き合い、試行錯誤しながら、新しい映画を生み出そうとした。
居田伊佐雄もそんな一人だった。デビュー作『Far from the explosive form of fruit』は、マイケル・スノウの『セントラル・リージョン（中央地帯）』の紹介文にインスパイアされたが、作品を観ることはなく、コマ単位の編集という全くオリジナルな手法で完成された。それ以降、居田は、フィルム、編集装置、映写機、投射される光、スクリーンといった、映画のシステムを構成する要素を解析し、新たな視覚体験を構築する独自の映画手法を追求してゆく。複雑な再撮影や膨大な写真のコマ撮り、撮影のための自作の特殊装置など、高い技術と創意工夫を伴う丹念な作業は、驚くべき視覚効果を持った作品を生み出し、居田は、“映像の錬金術師”と呼ばれるようになる。そのコンセプチャルなアプローチは“構造映画”と呼べるものだったが、生み出される映像は個人の日常や現実世界の認識を反映しており、個人映画的なナイーブさも持ち合わせていた。
'70年代から80年代初頭にかけて独自の“構造映画”を探求し洗練させてきた居田伊佐雄は、'82年の『エコー』以降、より広い世界に目を向け、自然の風景の中に自己の現実感覚を投影するような作品を制作し始める。ただ、一見、現実世界を繊細に捉えたように見える映像には随所に“映像の錬金術師”の魔術が施されており、シュールレアリスティックな世界がふいに出現する。それは、作者の内面にあるもう一つの現実世界の表出なのだ。最後の作品『大きな石小さな夜』では、ミクロの世界を捉えるカメラの眼と編集や映像操作による非現実的な時間と空間の繋がりの中から、映画の原点である"観る事の驚きと歓び"がダイナミックに現出する。小さな現象から大きな世界を想像させるミニマルでストイックな手法は、日本の伝統的な美意識にも通じるものだ。フィルムと映画の構造を使い、アナログメディアによる視覚芸術の可能性を追求し続けた居田伊佐雄は、20年あまりの映画制作の末に、様々な要素を削ぎ落した原初的な映画体験へと回帰した。それは、映画というメディアが持つ、根本的で純粋な美への到達とも言える。
2月のプログラムでは'70～'80年代の“構造映画”の代表作5本を公開、3月のプログラムでは世界を写実的に捉えつつ自身のイメージに変容する、“風景論的映画”3本を公開する。
居田伊佐雄のように著名で重要な映画作家の作品でさえ長い間観れなかったという現実は、日本の個人映画・実験映画を取り巻く困難な状況を象徴している。今回、そのほぼ全作品である34本がデジタル化で蘇ったのは奇跡と言っても良いだろう。今後、国内外でより多くの観客が居田伊佐雄の映画を発見してくれることを願っている。
鈴木章浩
Program: Part 1
Isao Kota, Far from the explosive form of fruit, 1972, 8 min, 8mm, sound
“There was a time when I was in a field bathed in sunlight, where the murmur of melted snow could be heard. I felt I had become sensation itself, and had a vivid sense of the sights and sounds surrounding me. That is the feeling I wanted to express.
Using techniques such as turning right, turning left, moving from bottom to top, and varying the length of shots, I tried to build up a picture of the space around me through editing.
Although I spliced and edited the 8mm film on tape, there were many parts to edit, and deciding where to cut was the result of trial and error. Because of this, it cost more for the tape used for splicing than for the film and development.” (Isao Kota)
雪解け水のせせらぎが聴こえる野原で陽光を浴びながら、自分が感覚であり音と光景に取り囲まれているのだと、生々しく感じたことがありました。その感じを表現したいと思いました。
右旋回・左旋回・下から上に・変化して行くカットの長さ、こうした要素によって私の周囲に広がっていた空間を形作るような編集をしようと計画しました。
8ミリフィルムをテープで接合して編集するのですが、編集箇所が多かったうえにカットする位置の決定で試行錯誤した結果、接合に使うテープ代がフィルム代と現像料を上回りました。
Isao Kota, Marilyn Magdalene (マリリン・マグダリーン), 1972, 9min, 8mm, sound
“If you have a lot of photographs of the same person, even if they were taken at different times or in different places, you can combine them through stop motion to make an animation of the person moving. It's fun to make them move against their will, and the differences in the elements of each photograph create a kind of intensity. I this work after realising I owned a large number of pictures of the same person that evoked such expectations.
I employed various techniques, including stop motion, multiple reshoots, reshooting of previously reshot footage, chemical discoloration, and physically altering the film by scrubbing off the emulsion.” (Isao Kota)
時間も場所も違う写真が沢山あり、どの写真にも同一人物が写っている場合、それらの写真をコマ撮りすれば同一人物が動いているアニメーションになる。強引に動かしてしまうのも楽しみだ。さらに写真毎の要素の違いの大きさが何か激しいものを生み出すに違いない。そのような期待を抱かせる一人の人物の沢山の写真があることに気が付いたのが製作の切っ掛けでした。
コマ撮り・再撮影・再撮影の再撮影・薬品による変色とエマルジョンの剥離を行いました。Isao Kota, The Dutchman’s Photograph (オランダ人の写真), 1976, 7min, 16mm, colour, silent
“Film is essentially a sequence of still photographs - one photograph is one frame of film. I imagine a single photograph placed on a desk. If I take a photograph of my mind as it is imagining this, I should be able to create a photograph of the photograph on the desk. If I take a photograph of my mind as it is imagining this, I will get a photograph of the photograph of the photograph on the desk. This was what I was thinking when I made the "The Dutchman's Photograph" on 8mm film in 1974, and because there were no limits to how far I could multiply its Russian doll structure, I remade it on 16mm film in 1976.” (Isao Kota)
映画は静止した写真の連続ですので、一枚の写真は映画のひとコマです。机とその上に置かれた一枚の写真を想像します。想像する私の脳内を写真に撮ったとすれば、机に置かれた写真を撮った写真が出来上がることでしょう。そのように想像する私の脳内を写真に撮ったとすれば、机に置かれた写真を撮った写真を撮った写真ができあがります。そのように考えて1974年に8ミリフィルムで『オランダ人の写真』を製作したのですが、入れ子構造はいくらでも増やせるので1976年に16ミリフィルムで作り直しました。
Isao Kota, Red Light (赤信号), 1978, 9min, 16mm, colour, sound
“This film is assembled from a series of cuts conveying different moods. It is mostly composed of simple actions of seeing images alternately or in succession, such as of scissors cutting against each other, or of the blink of eyes peering through a magnifying glass. I thought of them as being like red, amber and green traffic lights.” (Isao Kota)
さまざまな気分を表すカットで組み立てました。はさみ同士の切り合いとか、ルーペを覗いた目のまばたきとか、写真を交互に、または続けて見る単純な動きばかりです。交通信号の赤・黄・緑のようなものだと思っています。
Isao Kota, Full Tide (満潮), 1981, 7min, 16mm, sound
“Film images are projected when light is emitted from the projector lens and reaches the screen. The projector and the screen are connected by a beam of light. If you block this beam with a white board, images are projected onto it, and these images are a cross-section of the beam of light. The beam is like a Kintaro candy: you can intersect it at any point and the same images will appear.
I wanted to make a film that was like staring at this cross-section of the beam of light - like staring at an image that, after being emitted from the projector, is in the process of floating toward the screen.” (Isao Kota)
映写機のレンズから光が出てスクリーンに到達し映像が映し出されます。映写機とスクリーンは光の筒で繋がっています。光の筒を白い板で遮るとそこに映像が映し出されますが、それは光の筒の断面です。光の筒は金太郎飴のようなもので、どこで遮っても同じ映像が映し出されます。
光の筒の断面を眺めるような、映写機から射出された映像がスクリーンまで漂っていく様子を眺めるような、そのような映画を作ってみたいと思いました。Isao Kota
Born in 1953 in Niigata. After graduating from high school, Kota went to Tokyo to take the exam for art school. There, Kota was exposed to experimental films, which he had always had an interest in, and he realised he could make films himself just as he painted pictures. After acquiring 8mm equipment, he began to make his own films in 1972.
The same year, Kota presented his debut work, Far from the explosive form of fruit. From then on, over more than 20 years of filmmaking, he created 35 works in both 8mm and 16mm. For his unique approach that analyses and reveals film's underlying structure, and his meticulous films whose astonishing effect is achieved through a precise modulation of individual frames, Kota was given the nickname "alchemist of images."
Kota ceased to release new works after Big Stone and Small Night in 1991, when he distanced himself from the world of film and began a long hiatus.
The original films suffered degradation over time, and it was feared that it would be impossible to watch them again. However, in 2023, 34 of Kota's films were brought back to life through digital restoration work overseen by the filmmaker himself. That same year, 16 were shown in a special feature at Underground Cinema Festival 3, where they received a great response. In 2024, the restorations of Kota's entire catalogue were screened in various locations across Japan in the program "Isao Kota Retrospective," sparking a nationwide rediscovery and reappraisal of the filmmaker's works.
居田伊佐雄
1953年新潟県生まれ。高校卒業後、1971年に美術大学受験のために上京。以前より興味を持っていた実験映画を実際に観て、画を描くように個人で映画を作ることの可能性を実感。8mm機材一式を手に入れ、1972年より個人による映画制作を始める。
同年、デビュー作『Far from the explosive form of fruit』を発表。以降、20年あまりの活動期間の中で、8㎜、16㎜による35本の作品を制作した。映画の構造を解析し視覚化する独自のアプローチと、コマ単位の緻密な作業によって驚くべきイメージを生み出す完成度の高い作品により、“映像の錬金術師”との異名を得る。日本の実験映画を代表する作家の一人として、その作品は国内外の映画祭、特集上映、美術館などで広く公開され、高い評価を受けた。
91年の『大きな石小さな夜』を最後に新作を発表せず、映画の世界とも距離を置き、長い沈黙の時代に入った。
オリジナル・フィルムの経年劣化の問題もあり、近年はその作品を再び観る事は困難かと思われていたが、2023年に公開可能な34作品が、作家本人による監修のもとデジタル修復されて復活。同年に開催された『UNDERGROUND CINEMA FESTIVAL 3』で16作品が特集上映され、大きな反響を呼んだ。2024年より、デジタル修復版の全作品を上映する『居田伊佐雄大回顧展』が日本各地で開催。新たな観客による再発見と再評価の機運が高まっている。
