CCJ is delighted to announce the final two programs in our spring/summer series curated by Hirofumi Sakamoto of the Postwar Japan Moving Image Archive, focusing on the filmmaker Tsuneo Nakai.
Our second program of Nakai’s work will focus on his structural films of the 1970s. The screening will feature five films that capture Nakai's tireless investigation of the phenomena around him.
Tsuneo Nakai Program 1: July 9-18, 2021
Tsuneo Nakai Program 2: August, 13-29, 2021
Each program will be available for viewing on CCJ’s viewing platform. Admission is $12 for non-members, $6 for members.
STRUCTURAL FILM IN THE CONTEXT OF POST-MONO-HA ART
Introductory essay by Hirofumi Sakamoto
In late 1960s Japan, with growing awareness of avant-garde and underground films from overseas that were screened at the Sogetsu Art Center, a growing number of individuals were creating independent films. To propel this movement, the Sogetsu Art Center established a competition section of the Sogetsu Experimental Film Festival, held in 1967, giving the young people who were their primary audience opportunities to create and present films themselves. Among them was Tsuneo Nakai, then a student at Tokyo University of the Arts, who began making films after being inspired by the Sogetsu Art Center’s screenings. He single-handedly produced The Skin of a Napping, which featured images of the body, with themes of fetishism and reversion to the womb, and was accepted into the Sogetsu Experimental Film Festival. Nakai and fellow students subsequently founded the Tokyo University of the Arts Experimental Filmmaking Club, and he worked with a crew on his second film, Paludes. An allegorical depiction of escape from the stagnation of everyday life, it won the Encouragement Prize at Film Art Festival 1968 Tokyo, organized by Film Art-sha that year as a successor to the Sogetsu Experimental Film Festival. These early films by Nakai clearly show the influence of the underground cinema of the day, which sought to link the filmmaker’s existence and humanity with the medium of film.
After this, Nakai’s films underwent a major transformation. This shift must be viewed in light of the fact that Nakai’s background was in contemporary visual art, and that he was also creating installations within the context of that era. In late 1960s and early 1970s Japan, art movements emerged that sought to reduce the medium of the work to basic materials or concepts, with visual artists grouped as Mono-ha (lit. “the School of Things”) and Japanese Conceptualists. However, the somewhat younger visual artists of the Post-Mono-ha generation used various approaches, including performance and film/video, to make the formation of relationships and structures during the production process a central theme. In addition to films, Nakai also presented an installation incorporating fire at Gallery Tamura (Tokyo) in 1971, as well as an installation entitled Secret Secretion at Gallery Moris Form (Osaka). In this context, the arc of development from Nakai’s early film works to the somewhat later video works becomes clear. The picture that comes to light is of film and video employed as media that reveal the structure of perception.
From 1971 onward, Nakai produced a series of conceptual film works: Alchemy, Lumière, Noise, Azoth, Elixir. These can be said to combine the framework of Japanese contemporary art at the time and the influence of overseas structural film, with structures based on rigorous concepts, and perceptual phenomena emerging and intensifying within the viewer’s consciousness over the course of the film (Nakai cited Michael Snow’s Wavelength [1967] as a particular source of inspiration.) Alchemy is structured so that the camera slowly zooms in over a long period of time on the mirror of a parked bicycle reflecting the sunlight, and with a flicker effect that evolves due to slowly shifting negative-positive reversals, the outcome is a masterful use of light to progressively dismantle the distance from the subject. Lumière grew out of this work, when Nakai turned the camera on natural marine phenomena he happened to notice at the location where Alchemy was shot. Noise does not include any flicker effects, but features changes in sound according to the distance between camera and subject, and can be called an auditory variation on Alchemy. In Azoth and Elixir he once again used intense flicker effects to achieve disassociation from the subject, with the former comprising positive and negative footage showing the exterior of a factory shot during the day and night, and the latter comprising positive and negative footage of shimmering reflections on the surface of water. Of these, Alchemy and Azoth were screened at the experimental film festival EXPRMNTL 5 (1974) held at Knokke-le-Zoute (Knokke-Heist, Belgium) in 1974, and Alchemy won the Prix Baron Lambert. Other film works by Nakai include Endless Exchange and Film, presented as continuously looping film installations, and the Mythologies series featuring fixed shots of specific subjects such as water surfaces, with the length set at three minutes (100 feet of film) per work.
Thereafter, in Plastic and Cycloid, Nakai’s concerns moved toward connection of discontinuous fragments of the surrounding environment, and as a parallel practice, he began producing video works in the latter half of the 1970s. Nakai’s video pieces explore the structures of images and sounds and make extensive use of collage and electronic effects, reaching the heights of extremity in Artificial Paradise and Eden. Eventually, from the mid-1980 onward, Nakai’s practice expanded beyond single-channel video in the direction of video installation and media art.
Translated by Colin Smith
TSUNEO NAKAI PROGRAM 2: FILM AS PHENOMENON, 1971-1974
Lumière / リュミエール | 1971, 16mm, BW, sound, 3:15 min
This work consists of a fixed shot capturing the natural phenomenon of light flowing in from beyond the horizon, which Nakai encountered at a beach when shooting Alchemy. The sound consists of ambient noise from the surrounding environment.
“This is minimal cinema focusing on the phenomenon of light passing over the sea, which I happened to encounter on the beach when I was filming Alchemy.” (Tsuneo Nakai)
Alchemy / 錬金術 | 1971, 16mm, BW, sound *open-reel, 24:15 min, *24 fps (Variable projection speed, alternative version: 40 min, *16 fps.)
The camera slowly zooms, in over a long period of time, on the light of the sun reflected in the mirror of a bicycle parked at the construction site. To this is added a slowly evolving flicker effect derived from negative-positive reversals, progressively dismantling the distance from the subject. Nakai created a masking film with a calculated pattern of black and white frames into which he inserted positive and negative images and made a print out of two separate rolls of film. The original projection speed was 16 frames per second, but the sound is separate from the open-roll tape rather than burned in, so it can also be screened at 24fps. Also, the original sound consisted of the friction noise of rubbing steel, but in 2019 a new version of the sound was created featuring the friction noise of glass. Here it will be screened with the 2019 version of the sound, at 24fps (actually 30fps, for equipment-related reasons). This film won the Prix Baron Lambert at EXPRMNTL 5 (1974).
“This is a flicker-based work consisting of negative and positive images that focuses on the intrinsic structure of film, which views light from the vantage point of darkness. It was made with a technique that was unprecedented at the time.” (Tsuneo Nakai)
Noise / ノイズ | 1972, 16mm, color, sound, 14:45 min
This film that can be called an auditory variation on Alchemy, in which the volume of microphone feedback increases and decreases according to the distance from the subject.
“This is a work of minimal cinema that continuously zooms out on a flower blooming in the darkness, as a paradoxical approach to the act of seeing.” (Tsuneo Nakai)
Azoth / アゾート | 1973, 16mm, color, sound *open-reel, 13:40 min *24 fps. (Variable projection speed, alternative version: 20 min, *16 fps.)
This work produces complex flicker patterns by splicing together four types of footage, consisting of shots of the exterior of a factory during the day and at night, in positive and negative versions. Nakai created a masking film with a calculated pattern of black and white frames into which he inserted positive and negative images and made a print out of two separate rolls of film. The original projection speed was 16fps, but the sound is separate from the open-roll tape rather than burned in, so it can also be screened at 24fps. The electronic sound was produced with an analog synthesizer. Here it will be screened at 24fps.
“Images of an industrial zone in constant operation day and night are utilized with the sense that it encapsulates both the beginning and the end. Scenes shot from morning to evening and then from evening to morning are divided into negative and positive frames, resulting in four types of images that intersect, manipulating the effects of film processing on perception.” (Tsuneo Nakai)
Elixir / 錬金薬液 | 1974, 16mm, color, sound, 13:15 min
This work produces complex flicker patterns with positive and negative footage of shimmering reflections on the surface of water. Nakai created a masking film with a calculated pattern of black and white frames into which he inserted positive and negative images and made a print out of two separate rolls of film. The sound consists of the electronically processed noises of insects.
“The film depicts the alchemy of light wriggling on the surface of waves, using a negative-positive flicker technique in a structure where darkness can be seen lurking behind the light.” (Tsuneo Nakai)
Tsuneo Nakai
Tsuneo Nakai was born in Osaka in 1947. As a student at Tokyo University of the Arts he made his first work The Skin of a Napping (1967), which was selected for the Sogetsu Experimental Film Festival organized by the Sogetsu Art Center. His second film, Paludes (1968) won an Encouragement Prize at Film Art Festival 1968 Tokyo, organized by Film Art-sha that year as a successor to the Sogetsu Experimental Film Festival. In 1971 he presented an installation incorporating fire at Gallery Tamura (Tokyo), and produced Alchemy (1971), inspired by the structural film movement. Alchemy and Azoth were screened at the experimental film festival EXPRMNTL 5 held at Knokke-le-Zoute (Knokke-Heist, Belgium) in 1974, and Alchemy won the Prix Baron Lambert. In the late 1970s he began creating video art, and obtained backing from JVC to produce the video piece Artificial Paradise (1983), which was later screened at Documenta 8. In 1983 he joined forces with Video Cocktail, a group of young video artists, and organized exhibitions at galleries and museums. In 1986 he became Assistant Professor of Conceptual Design at Kyoto City University of Arts. Since then the focus of his practice has been video installations and video objects such as New World (1986), and works exhibited from 2000 onward include Tokyo Atomic Bomb (2009) and Ilinx (2011).
Hirofumi Sakamoto, Wakkanai Hokusei Gakuen University (Wakkanai, Hokkaido)
Hirofumi Sakamoto is Associate Professor at Wakkanai Hokusei Gakuin, Hokkaido, Japan. In 2006, Mr. Sakamoto organized the exhibition A Retrospective Exhibition of Early Video Art, in which he presented works by seminal Japanese video artists. He has been working with filmmaker Toshio Matsumoto to organize and digitize Matsumoto’s archive material and moving image works. He is founder and director of Japan Postwar Moving Image Archive (PJMIA).
ポストもの派の文脈における構造映画
1960年代後半の日本では、草月アートセンターによる海外の前衛映画やアンダーグラウンド映画の紹介によって、個人による映画制作が拡大しつつあった。草月アートセンターはこの運動を推進すべく、1967年に開催した「草月実験映画祭」のなかでコンペティション部門を設け、観客であった若者たちに映画制作の契機を与える。当時、東京芸術大学に在学していた中井恒夫も、草月アートセンターの上映活動に刺激を受けて映画制作を開始し、独力で第一作『仮眠の皮膚』を完成させる。フェティシズムや胎内回帰を主題として身体のイメージを描いた同作は、「草月実験映画祭」で入選を果たす。その後、中井は大学の仲間たちと「芸大実験映画製作部」を設立して、スタッフを組んで第二作『パリュウド』の制作に取り組んでゆく。閉塞した日常からの脱出という主題を寓話的に描いた同作は、「草月実験映画祭」を引き継ぐ形で翌年より開始された、フィルムアート社の主催による「フィルム・アート・フェスティバル1968東京」で奨励賞を獲得した。これらの中井の初期作品には、作家の人間的実存と映画が結びついた、当時のアンダーグラウンド映画からの影響が色濃く反映されているといえるだろう。
その後、中井のフィルム作品は大きな転換を迎える。この転換を考えるにあたっては、中井のバックグラウンドがあくまで現代美術にあり、同時代の文脈を踏まえたインスタレーションを制作していたことを勘案する必要がある。1960年代末から1970年代初頭にかけての日本美術では、もの派や日本概念派として括られる造形作家らによって、作品の媒体を物質や概念に向けて還元する動きが現れていた。これに対して、少し年下のポストもの派世代の造形作家らは、パフォーマンスや、フィルム・ビデオを含めた様々なアプローチによって、制作過程における関係性や構造の成り立ちを主題化してゆくことになる。中井もまた、1971年に田村画廊（東京）で炎を使ったインスタレーションを発表したほか、モリスフォーム（大阪）で「内密生分泌物（Secret Secretion）」と題されたインスタレーションを発表していた。このような文脈の中に、初期以降の中井のフィルム作品と、若干遅れて手がけることになるビデオ作品を位置付けるならば、その見通しはクリアになるだろう。それはフィルムやビデオというメディウムを通して、知覚の構造を明らかにするものであった。
1971年以降、中井は『錬金術』『リュミエール』『ノイズ』『アゾート』『練金薬液』といったコンセプチュアルなフィルム作品を次々に作り出してゆく。それらは当時の日本美術の文脈と、海外の構造映画の影響が混じり合ったものであるといえ、厳密なコンセプトに基づいて構造が設計されており、映画を見る観客の意識の中では、強度を伴った知覚的な現象が立ち現れる（中井は、特にマイケル・スノウの『波長（Wavelength）』1967 からの影響について言及している）。『錬金術』は、停められた自転車のミラーに映る太陽の反射光に、カメラが長い時間をかけて接近してゆくという構造を持ち、緩やかに変化するネガポジ反転によるフリッカーも加わって、被写体との距離が光によって解体されてゆく傑作である。同作のロケ撮影では、偶然出会った海洋の自然現象を被写体とする『リュミエール』も派生的に撮影された。『ノイズ』は、フリッカーの要素はないが、被写体とカメラの距離に応じてサウンドが変化するという作品であり、『錬金術』の聴覚的な変奏だといえる。『アゾート』と『練金薬液』は、再び強烈なフリッカーによって被写体を異化するという作品であり、前者は工場の昼夜の外観を撮影したポジ像およびネガ像、後者は水面の乱反射のポジ像とネガ像を素材としている。これらのうち『錬金術』と『アゾート』は、1974年にベルギーのクノック・ル・ズート（クノック=ヘイスト）で開催された実験映画祭「EXPRMNTL 5」に出品され、『錬金術』はPrix Baron Lambert（ランバート男爵賞）を受賞した。これらの他にも、中井のフィルム作品にはエンドレスのフィルムインスタレーションとして制作された『無限交換』および『フィルム』や、一作品につき3分間（100フィート）という規則で、固定ショットによって水面など特定の被写体を撮影した『神話作用』シリーズがある。
その後、『プラスティック』や『サイクロイド』において中井の関心は、周囲の環境を非連続的に繋げ合わせる方向に向かってゆき、それ併行して1970年代後半からはビデオ作品の制作も開始される。中井のビデオ作品は、イメージとサウンドの構造を検証したり、コラージュおよび電子的なエフェクトを駆使するものであり、それは『人工楽園』や『エデン』において過激化の極点に達する。やがて、1980年代中頃からはシングルチャンネルのビデオ作品にとどまらず、ビデオインスタレーションやメディアアートの方向に、中井の仕事は拡大してゆくことになる。
Program 2: 現象としてのフィルム 1971-1974
Lumière / リュミエール
『錬金術』の撮影のために訪れた海辺で遭遇した、水平線の向こうから光が走ってくる自然現象を、固定ショットで撮影した作品。サウンドは現地の環境音。
「錬金術を撮影するために砂浜にいた際に遭遇した、海に光が渡って来る現象を撮影したミニマル・シネマ」（中井恒夫）
Alchemy / 錬金術
工事現場に停められた自転車のミラーに映る太陽の反射光に、カメラが長い時間をかけて接近してゆく。ここに緩やかに変化するネガポジ反転によるフリッカーが加わって、被写体との距離が光によって解体されてゆく。作家は、計算された白コマと黒コマから成るマスク用フィルムを作成し、これにネガフィルムとポジフィルムを組み合わせ、ABロールでプリントを焼いた。オリジナルの映写速度は16fpsだが、サウンドがフィルムに焼き込まれておらずオープンリールテープからの別出しなので、24fpsで上映することも可能。また、オリジナルのサウンドは鉄の摩擦音であったが、2019年にガラスの摩擦音による新バージョンが作成された。今回は24fps（素材の都合で正確には30fps）で、2019年版のサウンドトラックを上映する。EXPRMNTL 5（1974）でPrix Baron Lambert（ランバート男爵賞）を受賞。
「フィルムの闇から光を望む構造でズームインしていく、イメージのネガとポジによるフリッカー作品であり、当時には存在しない手法としては最初の作品になる」（中井恒夫）
Noise / ノイズ
被写体に対する距離に応じて、マイクのハウリングの音量が増大・減衰するという、『錬金術』の聴覚的な変奏といえる作品。
「見る行為の可逆的なアプローチとして、闇に咲く花からズームアウトしつづけるミニマル・シネマ」（中井恒夫）
Azoth / アゾート
工場の昼と夜の外観を撮影したポジ像およびネガ像、計4種類の素材を配置して、複雑なパターンのフリッカーを引き起こす作品。作家は、計算された白コマと黒コマから成るマスク用フィルムを作成し、複数回にわたるオプチカル処理を行うことでプリントを焼いた。オリジナルの映写速度は16fpsだが、サウンドがフィルムに焼き込まれておらずオープンリールテープからの別出しなので、24fpsで上映することも可能。サウンドは、アナログシンセサイザーによる電子音。今回は24fpsで上映する。
「昼も夜も動いている工業地帯をモチーフに、始まりであり終わりであるという意味で引用し、朝から夕刻までと夕刻から朝までのシーンをネガとポジに分けて４種類のフレームを交錯させて、知覚の現像効果を操作している」（中井恒夫）
Elixir / 錬金薬液
水面の乱反射を被写体として、ネガポジ反転によるフリッカーを引き起こす作品。作家は、過去作品のマスク用フィルムを流用し、これにネガフィルムとポジフィルムを組み合わせ、ABロールでプリントを焼いた。サウンドは、虫の鳴き声を電子的に加工したもの。
「光の背後に闇が見える構造でネガとポジによるフリッカー手法を用いた、波の表面に蠢く光の錬金術である」（中井恒夫）
中井恒夫
1947年、大阪府生まれ。東京芸術大学に在学中に個人映画の制作を開始し、第一作である『仮眠の皮膚』（1967）が草月アートセンターが主催した「草月実験映画祭」で入賞する。続く第二作『パリュウド』（1968）は、「草月実験映画祭」を引き継ぐ形で始まった、フィルムアート社主催の「フィルム・アート・フェスティバル1968東京」で奨励賞を獲得する。そして、1971年に田村画廊で炎を使ったインスタレーションを発表する一方で、構造映画に影響を受けた『錬金術』（1971）の制作に取り組む。同作は『アゾート』（1973）と共に、1974年にベルギーのクノック・ル・ズート（クノック=ヘイスト）で開催された実験映画祭「EXPRMNTL 5」にて上映され、Prix Baron Lambert（ランバート男爵賞）を獲得する。1970年代後半からはビデオアートに取り組み、ビクターの後援によってシングルチャンネルのビデオ作品『人工楽園』（1983）を制作する（同作は後年「ドクメンタ8」に出品された）。1983年には若手ビデオアーティストを集めたグループ「ビデオカクテル」に参加し、画廊や美術館での展覧会を企画する。1986年より、京都市立芸術大学構想設計専攻に助教授として着任し、後進の指導にあたる。その後は『ニュー・ワールド』（1986）などのビデオインスタレーションやビデオオブジェが制作の中心となってゆき、2000年代以降は『東京原爆 未来の歴史1』（2009）や『Ilinx 未来の歴史2』（2011）を発表する。
阪本裕文
1974年生まれ。博士（芸術）。稚内北星学園大学教授。NPO法人戦後映像芸術アーカイブ代表理事。戦後日本の非商業的な映画・映像についての研究をおこない、松本俊夫、相原信洋などのアーカイブ化に取り組む。展覧会・上映会監修に「ヴァイタル・シグナル：日米初期ビデオアート上映会」（EAI＋横浜美術館、2009〜2010）、「白昼夢：松本俊夫の世界」（久万美術館、2012）など。共著に『アメリカン・アヴァンガルド・ムーヴィ』（森話社、2016）、編著に『復刻版 記録映画』（不二出版、2015〜2016）、『松本俊夫著作集成』（森話社、2016〜）など。